close
The Usborne Introduction to Modern Art
什麼是現代藝術?
What is modern art?
現代藝術可以是任何東西，舉凡一幅精巧的油畫、一個正在溶化的雪球、或是一間燈火明滅的空屋，這些都可以被稱為現代藝術。令人驚訝的是，遠在1850年代，人們即以「現代藝術」這個名詞來描述藝術。它聽起來感覺好像不是很現代，但是卻被當時的藝術家，以一種十分激進的方式，重新去思索他們創作的目的與觀念。
表現風格大不同
幾世紀以來，多數的藝術家嘗試在畫布上創造出一種真實的錯覺，就是所謂的3D（三度空間）的景象。但是，到了十九世紀後，這種單一的創作表現開始有了改變──部分原因來自於1830年代發明的攝影術。在這之前，人們依賴藝術家來捕捉事物的外觀，然而一旦攝影可以達到這項要求時，有些藝術家就覺得他們應該轉而做點不一樣的東西。並且以往許多藝術家都是由有錢人資助支援，依照他們喜好的主題來創作作品；然而這種現象到了十九世紀時也有了轉變。藝術家開始先創作作品，然後才銷售，也因此給了藝術家更多的自由空間來實驗。
以作品「空幻」◎1和「桌上的吉他」◎2二件油畫來做比較說明：二幅畫作都是靜物畫，都在表現物件的配置，或者說一種靜物的排列，這是傳統的作畫主題；然而，在這兩幅畫中，其差異點卻遠比相似點來得明顯多了。
強調作品原創性
多數人都以藝術家的繪畫技巧來評論藝術的價值──所以他們對於繪工精細、栩栩如生的繪畫作品如「空幻」，就比實驗性作品如「桌上的吉他」來得有印象多了。但是，對現在許多藝術家來說，原創性遠比技術性重要多了；骷髏頭或許看起來很有說服力，但是吉他的簡單形狀和鮮活色彩，讓「桌上的吉他」更具吸引力與創新的想像。
這……是藝術嗎？
在今天，藝術是如此地強調原創性，也因此當藝術家不斷去挑戰我們所認知的「藝術」界定時，也就不讓人感到太過驚訝了！今天當你去參觀一間畫廊，你可能會看到一幅全然泛白的畫布、一個瓶架、一排小圓石、一個漢堡形狀的巨大墊子、或是宴會後留下來的一堆垃圾等等。這些對你來說算是藝術嗎？「藝術」原意指的是「由人創作」的東西，但是上面提到的這些東西，根本非藝術家所創，有些東西也只不過是被藝術家發現而已。你根本不預期自己會在畫廊看到這些東西。難道就因為在畫廊看到它們，它們就因此而成為藝術了嗎？
新視界的震憾
許多的現代藝術作品都故意弄得很新奇嚇人，為的就是要讓你吃驚，並促使你從新的角度看事情。但是，當你對這些現代藝術作品仔細觀閱後，又會發現它們常常是我們所熟悉的舊主題。就像作品「在人類心中，對死亡的物質不可能性」◎3所示，英國藝術家赫斯特（Damien Hirst, 1965-）（→P83）因為將死去動物作為作品而聲名狼藉，他想要去表達死亡的主題，就像那幅十七世紀的油畫作品「空幻」一樣。那個被保存下來的鯊魚，就像那被畫出來的骷髏一樣，都是要讓我們去聯想到死亡。但是，就因為它看起來如此地鮮活，以至於無法接受它真的死亡了──就像赫斯特的作品標題所示：「在人類心中，對死亡的物質不可能性」。
引發爭議辯論
現代藝術能夠引發激烈的爭辯，有時候甚至成為法院偵辦討論的案例。每個人都有不同的觀念和想法，也因此要去解決所有歧見，並不是件容易的事。例如，雕塑家布朗庫西(Constantin Brancusi, 1876-1957）（→P82)曾經控告美國海關，因為海關要他去證明他的雕塑作品是「藝術」，結果他贏了＊。但是，美國雕塑家塞拉(Richard Serra, 1939-）（→P86)就沒有如此幸運了。他為紐約市府廣場創作了一件以巨大彎曲鋼牆為造形的公共藝術作品「傾斜之拱」 (Tilted Arc)，這件作品引發當地民眾的不滿，因為他們認為這件作品讓他們無法方便地使用這個廣場空間。對塞拉而言，這就是他想要呈現的重點──他企圖改變民眾對這個空間的認知。但是，法院公聽會後，法官判定這件作品必需被移走。
What is modern art?
現代藝術可以是任何東西，舉凡一幅精巧的油畫、一個正在溶化的雪球、或是一間燈火明滅的空屋，這些都可以被稱為現代藝術。令人驚訝的是，遠在1850年代，人們即以「現代藝術」這個名詞來描述藝術。它聽起來感覺好像不是很現代，但是卻被當時的藝術家，以一種十分激進的方式，重新去思索他們創作的目的與觀念。
表現風格大不同
幾世紀以來，多數的藝術家嘗試在畫布上創造出一種真實的錯覺，就是所謂的3D（三度空間）的景象。但是，到了十九世紀後，這種單一的創作表現開始有了改變──部分原因來自於1830年代發明的攝影術。在這之前，人們依賴藝術家來捕捉事物的外觀，然而一旦攝影可以達到這項要求時，有些藝術家就覺得他們應該轉而做點不一樣的東西。並且以往許多藝術家都是由有錢人資助支援，依照他們喜好的主題來創作作品；然而這種現象到了十九世紀時也有了轉變。藝術家開始先創作作品，然後才銷售，也因此給了藝術家更多的自由空間來實驗。
以作品「空幻」◎1和「桌上的吉他」◎2二件油畫來做比較說明：二幅畫作都是靜物畫，都在表現物件的配置，或者說一種靜物的排列，這是傳統的作畫主題；然而，在這兩幅畫中，其差異點卻遠比相似點來得明顯多了。
強調作品原創性
多數人都以藝術家的繪畫技巧來評論藝術的價值──所以他們對於繪工精細、栩栩如生的繪畫作品如「空幻」，就比實驗性作品如「桌上的吉他」來得有印象多了。但是，對現在許多藝術家來說，原創性遠比技術性重要多了；骷髏頭或許看起來很有說服力，但是吉他的簡單形狀和鮮活色彩，讓「桌上的吉他」更具吸引力與創新的想像。
這……是藝術嗎？
在今天，藝術是如此地強調原創性，也因此當藝術家不斷去挑戰我們所認知的「藝術」界定時，也就不讓人感到太過驚訝了！今天當你去參觀一間畫廊，你可能會看到一幅全然泛白的畫布、一個瓶架、一排小圓石、一個漢堡形狀的巨大墊子、或是宴會後留下來的一堆垃圾等等。這些對你來說算是藝術嗎？「藝術」原意指的是「由人創作」的東西，但是上面提到的這些東西，根本非藝術家所創，有些東西也只不過是被藝術家發現而已。你根本不預期自己會在畫廊看到這些東西。難道就因為在畫廊看到它們，它們就因此而成為藝術了嗎？
新視界的震憾
許多的現代藝術作品都故意弄得很新奇嚇人，為的就是要讓你吃驚，並促使你從新的角度看事情。但是，當你對這些現代藝術作品仔細觀閱後，又會發現它們常常是我們所熟悉的舊主題。就像作品「在人類心中，對死亡的物質不可能性」◎3所示，英國藝術家赫斯特（Damien Hirst, 1965-）（→P83）因為將死去動物作為作品而聲名狼藉，他想要去表達死亡的主題，就像那幅十七世紀的油畫作品「空幻」一樣。那個被保存下來的鯊魚，就像那被畫出來的骷髏一樣，都是要讓我們去聯想到死亡。但是，就因為它看起來如此地鮮活，以至於無法接受它真的死亡了──就像赫斯特的作品標題所示：「在人類心中，對死亡的物質不可能性」。
引發爭議辯論
現代藝術能夠引發激烈的爭辯，有時候甚至成為法院偵辦討論的案例。每個人都有不同的觀念和想法，也因此要去解決所有歧見，並不是件容易的事。例如，雕塑家布朗庫西(Constantin Brancusi, 1876-1957）（→P82)曾經控告美國海關，因為海關要他去證明他的雕塑作品是「藝術」，結果他贏了＊。但是，美國雕塑家塞拉(Richard Serra, 1939-）（→P86)就沒有如此幸運了。他為紐約市府廣場創作了一件以巨大彎曲鋼牆為造形的公共藝術作品「傾斜之拱」 (Tilted Arc)，這件作品引發當地民眾的不滿，因為他們認為這件作品讓他們無法方便地使用這個廣場空間。對塞拉而言，這就是他想要呈現的重點──他企圖改變民眾對這個空間的認知。但是，法院公聽會後，法官判定這件作品必需被移走。
如何欣賞現代藝術
Looking at modern art
許多人認為現代藝術十分讓人困惑不解，特別是，當他們期待能夠看懂他們所看到的，或者以為藝術就是要用傳統技巧，畫得栩栩如生的表現手法。其實觀看藝術有各種不同的方式，在此，就要幫大家解答一些在觀賞現代藝術時可能會提出的疑惑。
現代藝術是什麼？
現代藝術最讓人感到困惑的原因之一，就是讓人看不出作品到底想要表達什麼意思；但是，其實作品的標題能夠給你一些線索──即使是如「作品」（composition）或「即興作品」（improvisation）這樣的編號標題，還是一樣可以提供觀賞的蛛絲馬跡。模糊的作品標題通常也代表著藝術家不想去刻意表達一個特殊的情境，而是希望傳達他/她對於藝術或生命的看法。
同樣地，作品本身其實就能夠提供出一些線索──雖然可能第一眼看到它時，無法輕易地得到觀賞的切入點。但是只要仔細地端詳作品，想一想作品展現出什麼樣的內涵，藝術家用了什麼樣的風格及顏色，而這一切種種又讓你感受到什麼樣的訊息。
有些繪畫及雕塑品並沒有明顯的主題，所運用到的顏色和形狀可能只是因為藝術效果的需要，而非實景重現，這就是大家所認知的抽象藝術（abstract art）(→P88）。你必須站在整體構圖的角度，而非它所代表的事物形象來欣賞它。
藝術作品是如何被創作出來的？
此外，也有必要去想一想作品是如何被創作出來的。現代藝術家不再只限於用畫的或雕塑的，他們會使用非常多樣的材料或「媒材」。有些藝術家會拍攝影片或照片，或是隨手拾取他們碰巧看到的東西來當作創作材料。有些藝術家會為了特殊的場域創作作品──像是我們所熟知的「裝置藝術」(installation)(→P.89)。有些藝術家並不實際做出作品來，而是透過表演或文件，傳達他們的想法。這些不同方式的選擇就取決於藝術家如何去詮釋藝術。
藝術作品又是何時被創作出來的？
倘若你知道藝術品是何時被創作出來，而同時間又發生了什麼大事，或許能幫助你解釋為什麼藝術家會選擇特定的方式來創作。大的歷史事件，例如：戰爭影響了每個人，當然也包括藝術家。而藝術運動如立體派(Cubism)(→P88)或印象派(Impressionism)(→P89)，參與其中的藝術家共同創作並分享想法，這些運動的發展可能會對每一位藝術家的風格產生重大的影響。然而，單就「藝術主義」（isms）的專業術語來看待事情卻是會易引起誤解的。藝術並不全然地適合被歸類劃分，每位藝術家及每一件作品都是獨一無二的。
你喜歡它嗎？
另外一個重要的問題就是：你喜歡藝術品嗎？為什麼？這個問題的答案沒有所謂的對錯。它是品味問題──而品味會隨時間改變。可能百年前令人感到驚嚇的作品，今天看來卻很稀鬆平常。在1850年代，印象派藝術家被認為十分無禮暴戾，但是現在他們卻受到高度的推崇。而和許多當代的藝術相比，他們甚至已經看起來太過傳統。
關於這本書
這本書探討從1850年代到今天，現代藝術發展的歷史，並約略地以事件發生的順序安排，因此你能夠看到各類藝術發展的情況；並且，了解它們與當時事件發生的關連性。每一章節涵蓋一段重要的藝術史發展時期，同時並介紹其主要觀點與運動，並觀賞一些具有賞析深度的經典作品。如果可以的話，你可以嘗試去參觀藝廊或是美術館，藉以親身感受被藝術撞擊的第一手經驗。同時，你也可以從網路上觀賞到更多的藝術作品──由這本書中所推薦的網站中尋獲。
Looking at modern art
許多人認為現代藝術十分讓人困惑不解，特別是，當他們期待能夠看懂他們所看到的，或者以為藝術就是要用傳統技巧，畫得栩栩如生的表現手法。其實觀看藝術有各種不同的方式，在此，就要幫大家解答一些在觀賞現代藝術時可能會提出的疑惑。
現代藝術是什麼？
現代藝術最讓人感到困惑的原因之一，就是讓人看不出作品到底想要表達什麼意思；但是，其實作品的標題能夠給你一些線索──即使是如「作品」（composition）或「即興作品」（improvisation）這樣的編號標題，還是一樣可以提供觀賞的蛛絲馬跡。模糊的作品標題通常也代表著藝術家不想去刻意表達一個特殊的情境，而是希望傳達他/她對於藝術或生命的看法。
同樣地，作品本身其實就能夠提供出一些線索──雖然可能第一眼看到它時，無法輕易地得到觀賞的切入點。但是只要仔細地端詳作品，想一想作品展現出什麼樣的內涵，藝術家用了什麼樣的風格及顏色，而這一切種種又讓你感受到什麼樣的訊息。
有些繪畫及雕塑品並沒有明顯的主題，所運用到的顏色和形狀可能只是因為藝術效果的需要，而非實景重現，這就是大家所認知的抽象藝術（abstract art）(→P88）。你必須站在整體構圖的角度，而非它所代表的事物形象來欣賞它。
藝術作品是如何被創作出來的？
此外，也有必要去想一想作品是如何被創作出來的。現代藝術家不再只限於用畫的或雕塑的，他們會使用非常多樣的材料或「媒材」。有些藝術家會拍攝影片或照片，或是隨手拾取他們碰巧看到的東西來當作創作材料。有些藝術家會為了特殊的場域創作作品──像是我們所熟知的「裝置藝術」(installation)(→P.89)。有些藝術家並不實際做出作品來，而是透過表演或文件，傳達他們的想法。這些不同方式的選擇就取決於藝術家如何去詮釋藝術。
藝術作品又是何時被創作出來的？
倘若你知道藝術品是何時被創作出來，而同時間又發生了什麼大事，或許能幫助你解釋為什麼藝術家會選擇特定的方式來創作。大的歷史事件，例如：戰爭影響了每個人，當然也包括藝術家。而藝術運動如立體派(Cubism)(→P88)或印象派(Impressionism)(→P89)，參與其中的藝術家共同創作並分享想法，這些運動的發展可能會對每一位藝術家的風格產生重大的影響。然而，單就「藝術主義」（isms）的專業術語來看待事情卻是會易引起誤解的。藝術並不全然地適合被歸類劃分，每位藝術家及每一件作品都是獨一無二的。
你喜歡它嗎？
另外一個重要的問題就是：你喜歡藝術品嗎？為什麼？這個問題的答案沒有所謂的對錯。它是品味問題──而品味會隨時間改變。可能百年前令人感到驚嚇的作品，今天看來卻很稀鬆平常。在1850年代，印象派藝術家被認為十分無禮暴戾，但是現在他們卻受到高度的推崇。而和許多當代的藝術相比，他們甚至已經看起來太過傳統。
關於這本書
這本書探討從1850年代到今天，現代藝術發展的歷史，並約略地以事件發生的順序安排，因此你能夠看到各類藝術發展的情況；並且，了解它們與當時事件發生的關連性。每一章節涵蓋一段重要的藝術史發展時期，同時並介紹其主要觀點與運動，並觀賞一些具有賞析深度的經典作品。如果可以的話，你可以嘗試去參觀藝廊或是美術館，藉以親身感受被藝術撞擊的第一手經驗。同時，你也可以從網路上觀賞到更多的藝術作品──由這本書中所推薦的網站中尋獲。
在你的夢中
In your dreams
戰後的巴黎，由詩人布賀東(André Breton, 1896-1966)(→P82)領導的一群藝術家和作家，開始創作奇怪、如夢境般的作品。他們想對理性的日常生活世界做反動，運用他們的想像與夢境，希望能創作出一個新的現實世界，或稱為「超現實」(surreality)。他們的運動也就是所謂的「超現實主義」(Surrealism)(→P91)。
比現實更多
超現實主義因為奇特的想像而成名，但並不如其名是故意要「非真實」；實際上，這名稱代表著比現實更多，或是代表著去超越現實(sur-real，sur在法文中表示超越)。布賀東說這個運動是從達達的灰燼中升起；同時，轉而去表達精神層面的興趣，特別是關於非理性與潛意識的部分。而這正是受到世紀交替之際，維也納心理學研究大師佛洛伊德(Sigmund Freud)的理論啟迪所影響。佛洛伊德宣稱我們許多的行為都來自於潛意識與慾望的直接反應，特別可能是在夢中被揭露出來。
超現實主義藝術家相信潛意識是創作天賦的來源，並靠著一些非比尋常的技術，嘗試將其表達出來。許多創作者試著用「自動」素描法來作畫，也就是不經思考的直覺畫圖法。他們創造出奇怪、如亂畫般的畫面，而他們相信那的確是在他們潛意識的驅動下所形成的作品。西班牙畫家米羅(Joan Miro, 1893-1983)(→P84)甚至說他曾讓自己饑餓，以便將他的幻覺引出。
小專欄
（40-2）最知名的超現實主義作品之一，就是當達利將一個石膏做成的龍蝦黏在電話機的聽筒上。
奇怪組成
超現實主義藝術家熱愛新穎且令人驚愕的物件組合，他們可以在「恰巧看到的雨傘和在工作桌上的縫紉機」等意象上找到美感。他們認為這些物件組合，反映出潛意識聯想的狀態，並且能夠把不時發生在夢境中毫沒有關連的事物串連起來。許多奇異的超現實主義雕塑──他們稱之為「物件」(objects)──就是將不相干的東西配對成組。
光與空氣
比利時的超現實主義藝術家馬格利特(René Magritte, 1898-1967)(→P84)經常創作出充滿詩意且擾人心神的作品，他會將一般事物畫在新奇且不預期的位置中。舉例來說，作品「雕像的未來」◎1是一個人頭，但卻畫滿了藍天與飄動的雲朵；這個天空使得這個人頭看來如夢似幻，仿彿要消溶於空氣中。可能這個消溶的意象就是「雕像的未來」，最後終將粉碎終結？
實際上，這個人頭是拿破崙大帝死亡面具的複製品──在他死後依據他的臉容所複製而成的。因此，這個雕像可能也表達出人類不免一死的意涵；另外，它也是人類想像力的具體落實，以一個「在雲端的頭」，影射愛做白日夢的人的視覺雙關語。
夢的攝影
西班牙超現實主義藝術家達利(Salvador Dali, 1904-1989)(→P82)的作品「記憶的持續」◎2，在金色風景中，軟攤的錶群和臥在地上的畸形多肉怪物，佔據了整個畫面。這三支錶正逐漸軟化中，第四支錶的錶盒爬滿了螞蟻，就好像快被吃掉了。這些堅硬的機械錶變得柔軟，並且正在腐壞中，不再具有計時的功能。而在遠方的懸崖是根據達利成長的加泰隆尼亞海岸所繪成的──所以，這個作品標題有可能指涉藝術家的童年記憶。螞蟻是達利小時候所害怕的昆蟲，畫面中央這個怪物就是他自己的變形，有著長睫毛的眼睛閉著，就像是睡著了或是死了，已經完全不知道時間或時間為何物了。
這個神祕、夢境般的想像圖像成就一個非常奇特的景致，而達利將它畫得如此地真實，以至於幾乎看起來就像照片一樣──事實上，他稱他的作品是「手繪的夢境照片」（hand-painted dream photographs）。達利將他的想像力用很生活化的方式表現出來，無非是想要模糊想像與真實之間的界限。他說他要用畫作去擴散混淆，為的是「全然地懷疑這真實世界的一切。」
小專欄
（41-1）達利可能算是所有超現實主義藝術家當中最知名的一位。由於他的長相如此出名，在他晚年，只要信封上畫上他八字鬍的註冊商標以及寫上西班牙的字眼，就可以將信送達他手中。
作品
（40-1）◎1馬格利特 「雕像的未來」（The Future of Statues） 1937 上色石膏 33 x 17 x 20cm
（41-2）◎2達利 「記憶的持續」（The Persistence of Memory）1931 油畫 24 x 33cm
這幅畫是用來舉例說明達利如何聲稱他的作品是「對具體的非理性，偽飾而極普通的病態圖象。」
In your dreams
戰後的巴黎，由詩人布賀東(André Breton, 1896-1966)(→P82)領導的一群藝術家和作家，開始創作奇怪、如夢境般的作品。他們想對理性的日常生活世界做反動，運用他們的想像與夢境，希望能創作出一個新的現實世界，或稱為「超現實」(surreality)。他們的運動也就是所謂的「超現實主義」(Surrealism)(→P91)。
比現實更多
超現實主義因為奇特的想像而成名，但並不如其名是故意要「非真實」；實際上，這名稱代表著比現實更多，或是代表著去超越現實(sur-real，sur在法文中表示超越)。布賀東說這個運動是從達達的灰燼中升起；同時，轉而去表達精神層面的興趣，特別是關於非理性與潛意識的部分。而這正是受到世紀交替之際，維也納心理學研究大師佛洛伊德(Sigmund Freud)的理論啟迪所影響。佛洛伊德宣稱我們許多的行為都來自於潛意識與慾望的直接反應，特別可能是在夢中被揭露出來。
超現實主義藝術家相信潛意識是創作天賦的來源，並靠著一些非比尋常的技術，嘗試將其表達出來。許多創作者試著用「自動」素描法來作畫，也就是不經思考的直覺畫圖法。他們創造出奇怪、如亂畫般的畫面，而他們相信那的確是在他們潛意識的驅動下所形成的作品。西班牙畫家米羅(Joan Miro, 1893-1983)(→P84)甚至說他曾讓自己饑餓，以便將他的幻覺引出。
小專欄
（40-2）最知名的超現實主義作品之一，就是當達利將一個石膏做成的龍蝦黏在電話機的聽筒上。
奇怪組成
超現實主義藝術家熱愛新穎且令人驚愕的物件組合，他們可以在「恰巧看到的雨傘和在工作桌上的縫紉機」等意象上找到美感。他們認為這些物件組合，反映出潛意識聯想的狀態，並且能夠把不時發生在夢境中毫沒有關連的事物串連起來。許多奇異的超現實主義雕塑──他們稱之為「物件」(objects)──就是將不相干的東西配對成組。
光與空氣
比利時的超現實主義藝術家馬格利特(René Magritte, 1898-1967)(→P84)經常創作出充滿詩意且擾人心神的作品，他會將一般事物畫在新奇且不預期的位置中。舉例來說，作品「雕像的未來」◎1是一個人頭，但卻畫滿了藍天與飄動的雲朵；這個天空使得這個人頭看來如夢似幻，仿彿要消溶於空氣中。可能這個消溶的意象就是「雕像的未來」，最後終將粉碎終結？
實際上，這個人頭是拿破崙大帝死亡面具的複製品──在他死後依據他的臉容所複製而成的。因此，這個雕像可能也表達出人類不免一死的意涵；另外，它也是人類想像力的具體落實，以一個「在雲端的頭」，影射愛做白日夢的人的視覺雙關語。
夢的攝影
西班牙超現實主義藝術家達利(Salvador Dali, 1904-1989)(→P82)的作品「記憶的持續」◎2，在金色風景中，軟攤的錶群和臥在地上的畸形多肉怪物，佔據了整個畫面。這三支錶正逐漸軟化中，第四支錶的錶盒爬滿了螞蟻，就好像快被吃掉了。這些堅硬的機械錶變得柔軟，並且正在腐壞中，不再具有計時的功能。而在遠方的懸崖是根據達利成長的加泰隆尼亞海岸所繪成的──所以，這個作品標題有可能指涉藝術家的童年記憶。螞蟻是達利小時候所害怕的昆蟲，畫面中央這個怪物就是他自己的變形，有著長睫毛的眼睛閉著，就像是睡著了或是死了，已經完全不知道時間或時間為何物了。
這個神祕、夢境般的想像圖像成就一個非常奇特的景致，而達利將它畫得如此地真實，以至於幾乎看起來就像照片一樣──事實上，他稱他的作品是「手繪的夢境照片」（hand-painted dream photographs）。達利將他的想像力用很生活化的方式表現出來，無非是想要模糊想像與真實之間的界限。他說他要用畫作去擴散混淆，為的是「全然地懷疑這真實世界的一切。」
小專欄
（41-1）達利可能算是所有超現實主義藝術家當中最知名的一位。由於他的長相如此出名，在他晚年，只要信封上畫上他八字鬍的註冊商標以及寫上西班牙的字眼，就可以將信送達他手中。
作品
（40-1）◎1馬格利特 「雕像的未來」（The Future of Statues） 1937 上色石膏 33 x 17 x 20cm
（41-2）◎2達利 「記憶的持續」（The Persistence of Memory）1931 油畫 24 x 33cm
這幅畫是用來舉例說明達利如何聲稱他的作品是「對具體的非理性，偽飾而極普通的病態圖象。」
模特兒關係
Model relationships
對一些藝術家及評論工作者，特別是與婦女權益有關的女性主義者來說，女性在藝術中的角色一直是個困擾而倍受忽視的政治議題。在過去，多半的藝術都是由男人為男人創作，許多女人認為那些作品無法表達出她們的觀點。但是近來，女性藝術家開始群起挑戰這種情況。
用圖說故事
出生於葡萄牙的雷哥（Paula Rego, 1935-）（→P85）通常根據故事來創作作品，特別是那些有強烈女性特質的人物故事。在這裡，她畫了三個穿芭蕾舞衣的女人，她們的姿勢是從迪斯奈的經典卡通《幻想曲》而來◎1。迪斯奈的畫家們是先根據真人舞者做速寫，然後再將她們轉變成駝鳥的模樣。雷哥則是逆轉這個過程，將鳥變回真的女人，她說：「我總是想翻轉事物的真相，好打破既有的秩序。」
令人驚訝的是，在雷哥素描中的女人並不是真的在跳舞。有二個女人靠在坐墊上，而第三個女人則是猛拉著她的裙子。除了她們的絲帶及短裙外，實在看不出來是芭蕾舞者——她們的體重過重又上了年紀。然而這幅畫作並不是真的有關芭蕾舞，它在講的是女人本身，以及關於她們的夢想與年邁身體之間的衝突。
小專欄
（72-2）當雷哥被要求從電影中取材來創作藝術時，她立刻從迪斯奈卡通中獲取靈感，而畫了一系列的粉彩素描。畫中左邊的這位女子是她眼中《幻想曲》跳舞駝鳥的版本。
包裹重擊
美國藝術家克魯格（Barbara Kruger, 1945-）（→P84）從設計雜誌開創她的事業，經常將雜誌上的圖片放進她的藝術中，配上簡短有力的一段話。這種效果是為了挑戰人們對權力和身分的既定觀念。她的作品運用到圖像及文字，因為兩者兼具了「決定我們是誰的能力。」
作品「你的凝視打在我的側臉上」◎2是一張僵硬的黑白照片，照片中的女人頭像以一種十分傳統的風格雕刻出來。女人的臉羞怯地轉向側邊，左邊的文字就像是這個女人的心聲，控訴著觀者不去看她臉龐表面/或側邊下的真相。克魯格想要描繪出女性主義者的信仰：傳統藝術只把女人當成物品來觀看，而非觀看本身的創造者。
游擊隊戰略
有許多討論古典藝術的女性主義評論文章，特別是有關女性裸體方面，例如十九世紀法國藝術家安格爾（Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867）（→P84）的作品「宮女」◎3。這是一張美麗的畫作，但隱藏在它背後的性別政治，可就不那麼吸引人了。「宮女」（odalisque）是女性奴隸之意，畫中的這名女子被呈現出一種沒有權力且順從的角色。她被用來吸引男性觀眾。在經過將近兩個世紀之後，安格爾的畫被改以一種極端不同的方式放在一張海報上◎4，它的設計者是一群稱為「游擊隊女孩們」（Guerilla Girls, 1985-）（→P83）的匿名女性藝術家，她們發起政治議題上的運動。這張海報在享有聲望的紐約大都會美術館（The Metropolitan Museum of Art）中展出，將無數的女性裸體與許多女性藝術家的作品做比較。游擊隊女孩們想利用她們所看到不公平的事物來吸引他人的注意；就像在藝術世界裡，假設有潛意識與具偏見的事情發生，也是因為絕大部分的評論者與策展人都是男性的結果。
作品
（72-1）◎1雷哥。從華德迪斯奈《幻想曲》中跳鴕鳥舞（Dancing Ostriches from Walt Disney’s Fantasia）。1995。紙上粉彩，並加有鋁框。150x150cm
這幅畫是從類似下面卡通版駝鳥所得到的靈感完成。
（73-1）◎2克魯格。無題（你的凝視打在我的側臉上）（Untitled -Your Gaze Hits the Side of My Face）。1981。平版印刷（lithograph）。140x104cm
注意克魯格是如何地運用標語式的片語與風格化的攝影，來創作出近似於廣告的作品來。
（73-2）◎3安格爾。宮女（Odalisque）。1814。油畫。91 x 162cm
這幅畫現掛於巴黎的羅浮宮中。
（73-3）◎4游擊隊女孩們。女人……（Do women…）。1989。廣告招牌海報
這是為紐約公共藝術基金（Public Art Fund）所製作的作品——但卻遭他們拒絕展出。
Model relationships
對一些藝術家及評論工作者，特別是與婦女權益有關的女性主義者來說，女性在藝術中的角色一直是個困擾而倍受忽視的政治議題。在過去，多半的藝術都是由男人為男人創作，許多女人認為那些作品無法表達出她們的觀點。但是近來，女性藝術家開始群起挑戰這種情況。
用圖說故事
出生於葡萄牙的雷哥（Paula Rego, 1935-）（→P85）通常根據故事來創作作品，特別是那些有強烈女性特質的人物故事。在這裡，她畫了三個穿芭蕾舞衣的女人，她們的姿勢是從迪斯奈的經典卡通《幻想曲》而來◎1。迪斯奈的畫家們是先根據真人舞者做速寫，然後再將她們轉變成駝鳥的模樣。雷哥則是逆轉這個過程，將鳥變回真的女人，她說：「我總是想翻轉事物的真相，好打破既有的秩序。」
令人驚訝的是，在雷哥素描中的女人並不是真的在跳舞。有二個女人靠在坐墊上，而第三個女人則是猛拉著她的裙子。除了她們的絲帶及短裙外，實在看不出來是芭蕾舞者——她們的體重過重又上了年紀。然而這幅畫作並不是真的有關芭蕾舞，它在講的是女人本身，以及關於她們的夢想與年邁身體之間的衝突。
小專欄
（72-2）當雷哥被要求從電影中取材來創作藝術時，她立刻從迪斯奈卡通中獲取靈感，而畫了一系列的粉彩素描。畫中左邊的這位女子是她眼中《幻想曲》跳舞駝鳥的版本。
包裹重擊
美國藝術家克魯格（Barbara Kruger, 1945-）（→P84）從設計雜誌開創她的事業，經常將雜誌上的圖片放進她的藝術中，配上簡短有力的一段話。這種效果是為了挑戰人們對權力和身分的既定觀念。她的作品運用到圖像及文字，因為兩者兼具了「決定我們是誰的能力。」
作品「你的凝視打在我的側臉上」◎2是一張僵硬的黑白照片，照片中的女人頭像以一種十分傳統的風格雕刻出來。女人的臉羞怯地轉向側邊，左邊的文字就像是這個女人的心聲，控訴著觀者不去看她臉龐表面/或側邊下的真相。克魯格想要描繪出女性主義者的信仰：傳統藝術只把女人當成物品來觀看，而非觀看本身的創造者。
游擊隊戰略
有許多討論古典藝術的女性主義評論文章，特別是有關女性裸體方面，例如十九世紀法國藝術家安格爾（Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867）（→P84）的作品「宮女」◎3。這是一張美麗的畫作，但隱藏在它背後的性別政治，可就不那麼吸引人了。「宮女」（odalisque）是女性奴隸之意，畫中的這名女子被呈現出一種沒有權力且順從的角色。她被用來吸引男性觀眾。在經過將近兩個世紀之後，安格爾的畫被改以一種極端不同的方式放在一張海報上◎4，它的設計者是一群稱為「游擊隊女孩們」（Guerilla Girls, 1985-）（→P83）的匿名女性藝術家，她們發起政治議題上的運動。這張海報在享有聲望的紐約大都會美術館（The Metropolitan Museum of Art）中展出，將無數的女性裸體與許多女性藝術家的作品做比較。游擊隊女孩們想利用她們所看到不公平的事物來吸引他人的注意；就像在藝術世界裡，假設有潛意識與具偏見的事情發生，也是因為絕大部分的評論者與策展人都是男性的結果。
作品
（72-1）◎1雷哥。從華德迪斯奈《幻想曲》中跳鴕鳥舞（Dancing Ostriches from Walt Disney’s Fantasia）。1995。紙上粉彩，並加有鋁框。150x150cm
這幅畫是從類似下面卡通版駝鳥所得到的靈感完成。
（73-1）◎2克魯格。無題（你的凝視打在我的側臉上）（Untitled -Your Gaze Hits the Side of My Face）。1981。平版印刷（lithograph）。140x104cm
注意克魯格是如何地運用標語式的片語與風格化的攝影，來創作出近似於廣告的作品來。
（73-2）◎3安格爾。宮女（Odalisque）。1814。油畫。91 x 162cm
這幅畫現掛於巴黎的羅浮宮中。
（73-3）◎4游擊隊女孩們。女人……（Do women…）。1989。廣告招牌海報
這是為紐約公共藝術基金（Public Art Fund）所製作的作品——但卻遭他們拒絕展出。
全站熱搜
留言列表
【Carlinlien 手創珠寶紀事】 (1)
